Auris

Coleman Hawkins, surnommé "Bean", est universellement reconnu comme le "père du saxophone ténor", ayant transformé l'instrument d'une nouveauté de fanfare en une voix solo majeure du jazz. Né en 1904, son parcours débute véritablement dans les années 1920 avec l'orchestre de Fletcher Henderson, où il établit les bases harmoniques et mélodiques qui allaient définir le rôle du ténor. Son style se caractérise par une sonorité riche et puissante, un vibrato distinctif et une sophistication harmonique qui poussait les limites de l'improvisation bien avant le bebop. Après un séjour influent en Europe dans les années 1930, il revient aux États-Unis pour enregistrer en 1939 son chef-d'œuvre intemporel, "Body and Soul", une ballade qui reste une leçon d'improvisation lyrique et de développement thématique. Il a constamment fait évoluer son jeu, prouvant sa capacité à dialoguer avec les jeunes bopsters et à rester pertinent dans les évolutions du jazz. Hawkins a non seulement influencé d'innombrables saxophonistes, de Ben Webster à John Coltrane, mais a aussi démontré une longévité artistique rare. Son héritage est celui d'un innovateur audacieux et d'un maître incontesté, dont la stature continue de résonner dans l'histoire de la musique.

Enregistré en 1962 au légendaire Village Gate de New York, "Hawkins! Eldridge! Hodges! - Alive! At The Village Gate" capte un moment charnière pour ces géants du jazz. Le climat musical de l'époque était en pleine mutation, avec l'émergence du free jazz et la consolidation du jazz modal, mais l'album célèbre la vitalité éternelle du jazz classique et du swing. Le style est celui d'une rencontre au sommet, où l'énergie et la virtuosité de Coleman Hawkins au ténor, Roy Eldridge à la trompette et Johnny Hodges à l'alto se marient dans une synergie exubérante. Les sonorités sont chaleureuses, swingantes, et empreintes d'une profondeur d'expérience rarement égalée, avec des improvisations fluides et des dialogues instrumentaux captivants. L'album s'inscrit dans la discographie de Hawkins comme un témoignage éclatant de sa capacité à maintenir un niveau d'excellence et d'innovation en direct, des décennies après ses débuts. L'accueil critique fut enthousiaste, saluant la performance impeccable et la joie communicative des musiciens, ce qui a consolidé la réputation de ces maîtres comme des figures toujours essentielles du jazz.

La conception de cet album est née de l'idée de réunir trois monuments du jazz swing qui, bien que contemporains, n'avaient pas souvent l'occasion de se produire en tant que trio de solistes principaux. Le Village Gate, célèbre club de Greenwich Village, était réputé pour son ambiance intime et sa capacité à attirer les plus grands noms du jazz, offrant le cadre parfait pour cette rencontre au sommet. Les sessions d'enregistrement de 1962 furent caractérisées par une atmosphère décontractée, presque celle d'une jam-session, où la spontanéité et la chimie musicale prédominaient. On raconte que les musiciens abordèrent le gig avec une confiance tranquille, permettant à leur interaction naturelle de s'épanouir sans contraintes. Le répertoire, souvent basé sur des standards bien connus, servait de tremplin pour des improvisations luxuriantes et profondément personnelles. La presse de l'époque fut unanime, soulignant que cette "vieille garde" prouvait que le jazz n'avait rien perdu de sa fougue et de son inventivité. L'enthousiasme communicatif des musiciens, particulièrement dans leurs échanges en "call-and-response", est palpable à chaque note. L'album est devenu un document essentiel, rappelant aux jeunes générations la grandeur fondatrice de ces pionniers. Il a ainsi renforcé l'attrait intemporel de la virtuosité de l'ère swing, même face à l'émergence de nouvelles formes de jazz.